| William Hogarth | |
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 Autorretrato con su perro Pug Trump, 1745, museo Tate Britain, Londres. |
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| Nacimiento | 10 de noviembre de 1697 Londres , Reino Unido |
| Fallecimiento | 26 de octubre de 1764 (66) Londres , Reino Unido |
| Nacionalidad | Inglesa |
William Hogarth (Londres, 10 de noviembre, 1697 – id. 26 de octubre, 1764) fue un artista británico, grabador, ilustrador y pintor satírico. Se le considera pionero de las historietas occidentales. Su obra varía desde el excelente retrato realista a una serie de pinturas al estilo de los cómics llamadas «costumbres morales modernas».
Mucha de su obra, que llega a veces a ser despiadada, se burla de las
costumbres y la política contemporáneos. Es el gran maestro de la sátira
social y política, en contacto directo con la literatura contemporánea
de un Henry Fielding. Se le considera uno de los «padres» de la escuela artística británica, tras varios siglos de predominio de artistas extranjeros en el país.
Contenido |
Vida
Hijo de un pobre maestro de escuela y autor de libros de texto, William Hogarth nació en el barrio londinense de Bartholomew Close.
En su juventud fue aprendiz del grabador Ellis Gamble
en Leicester Fields, donde aprendió a grabar. El joven Hogarth también
se interesó en la vida de las calles y de las ferias londinenses, y se
entretuvo esbozando los personajes que veía. Por la misma época, su
padre fue aprisionado por deudas en la prisión de Fleet durante cinco
años. Hogarth nunca habló al respecto.
En abril de 1720,
Hogarth se estableció como grabador independiente, primero grabando
escudos de armas, facturas de tiendas y diseñando láminas para libreros.
En 1727 fue contratado por Joshua Morris, un tapicero, para diseñar una alegoría del elemento Tierra. Morris, al oír que Hogarth era «un grabador, no un pintor», rechazó la obra cuando estaba acabada, y Hogarth le demandó ante el tribunal de Westminster donde, el 28 de mayo de 1728, el caso se decidió a favor de Hogarth.
El 23 de marzo de 1729 Hogarth se casó con Jane Thornhill, hija del artista Sir James Thornhill.
Tras unos primeros años como grabador y diseñador de segunda
categoría, Hogarth decidió dar el salto a la categoría de pintor, pero
no le fue fácil. En aquella época, los grandes encargos artísticos de Londres estaban acaparados por artistas extranjeros, dentro de un estilo rococó
y ampuloso que Hogarth consideraba artificial. Los reyes y la nobleza
ingleses subestimaban a los artistas nacionales y preferían convocar a
los más cotizados del continente, lo que explica que desde el siglo XVI, los artistas ingleses fuesen eclipsados por autores extranjeros como Hans Holbein el Joven, Rubens, Van Dyck, Sebastiano Ricci y Canaletto.
Hogarth criticaba el gusto inglés por la mitología y los retratos pomposos, pero la falta de encargos le obligó a flaquear en sus convicciones. Abordó temas históricos de la Antigüedad, pero no alcanzó resultados convincentes.
Su despegue como artista de renombre se puede situar en la década de 1730, cuando se volcó en sus temas satíricos. Lector de Jonathan Swift, criticaba la hipocresía de las clases altas. Su viaje a París en 1744 le hace conocer el rococófrancés, lo que le influye en sus conversation pieces y en el tratamiento de los vestidos y las telas en sus cuadros.
Hogarth intentó explotar comercialmente sus mejores creaciones, repitiéndolas en grabado. Sin embargo, alcanzó tal éxito que fue víctima de la piratería; sus diseños eran replicados de forma indiscriminada en Europa, y él apenas se lucró de ellos.
En 1745 se representó junto a su perrita Trump en un famoso autorretrato (Museo Tate Britain
de Londres). Dicho cuadro es reflejo de su personalidad: se supone que
el perro es símbolo de perseverancia, y Hogarth viste ropajes modestos.
Junto a su efigie aparecen varios de sus libros satíricos favoritos. Una
paleta muestra la inscripción The line of Beauty (El análisis de la belleza),
que alude a un tratado de estética que estaba preparando. Lo publicó,
acompañado de grabados, en 1753. En él, defendía la expresividad del
trazo curvo frente al sobrio neoclasicismo.
Se encuentra enterrado en el cementerio de San Nicolás, en Chiswick Mall, Chiswick, Londres. Su amigo el actor David Garrick escribió la inscripción de su tumba.
Obras
Es célebre por sus retratos y especialmente por sus grabados, sobre
todos aquéllos que representan las series satíricas que previamente
había elaborado como cuadros.
Representaciones de la vida popular
Hogarth comenzó pintando representaciones realistas de la vida popular:
- Una calle (1725, Upperville, EE. UU. Col. Mellon)
- El reconocimiento de la paternidad (h. 1726, Dublín, N.G.)
- Los fieles dormidos (1728, Minneapolis, I. A.)
Al final de su vida artística recuperó estos temas realistas de la vida contemporánea popular:
- La vendedora de quisquillas (Shrimp Girl, o La vendedora de camarones, 1740, National Gallery, Londres), es un esbozo al óleo inacabado que, sin embargo, puede considerarse una obra maestra de la pintura inglesa.
- En casa del costurero o En casa del modista (1744, Londres, T. G.)
- El baile (1745, Camberwell, South London A.G.)
Retratos
Hogarth realizó pequeños "conversation pieces", esto es, retratos de grupo: A finales de los años 1720, ridículos y soberbios en sus finos vestidos, mientras que los pobres se preocupan de la comida y el sexo.
- La boda de Stephen Beckingham y Mary Cox (h. 1729, Nueva York, M.M.)
- La familia Wollaston (1736, Leicester, A.G.)
- La familia Fountaine
- Recepción en casa de sir Richard y lady Child (1730, Filadelfia, M.A.)
- Niños jugando a hacer teatro en casa de J. Conduitt...(1731)
Realiza varios cuadros de los actores principales de la popular The Beggar's Opera (La ópera del pordiosero), de John Gay, 1728. Varios son los retratos que hace de artistas en la vida cotidiana, entre ellos:
- Sarah Malcolm en prisión (1733, Edimburgo)
- El poeta en la miseria (1729-1736, Birmingham. M.A.).
- Retrato del actor David Garrick como Ricardo III (1746), por el que le pagaron 200 libras, “que es más”, escribió, “de lo que ningún artista inglés ha recibido nunca por un único retrato”.
- El actor Garrick y su mujer (1757, Londres, castillo de Windsor)
A finales de los años 1730, recibe numerosos encargos de retratos por parte de la próspera burguesía:
- George Arnold (h. 1738, Cambridge, F.M.)
- Capitán Thomas Coram (1740, Londres). Es un retrato sincero de su amigo, el filántropo Captain Coram (1740; primero en la Thomas Coram Foundation for Children, ahora en el Foundling Museum).
- Retrato de los niños Graham o Los hijos del doctor Graham (1742, Londres)
- Mary Edwards (1742, Nueva York, F.C.)
- Benjamin Hoadly, Obispo de Winchester (1743, Londres, T.G.)
- Mrs. Elisabeth Salter (1744, Londres)
- El Capitán Graham en su camarote (1745?, Greenwich)
- Los servidores del pintor o Los criados del pintor (1750-1755?)
En 1745 Hogarth pintó un Autorretrato con su perro (que se encuentra actualmente en la Tate Britain) en el que se muestra como un artista instruido, apoyado por volúmenes de Shakespeare, Milton y Swift. Él mismo lo reprodujo en grabado cuatro años después.
Ciclos satíricos
Hogarth es conocido, sobre todo, por sus ciclos satíricos. Se trata
de series de lienzos que exponen una historia novelesca contemporánea,
con gran viveza y espíritu crítico. Posteriormente, grabó los mismos, y a
través del grabado estas composiciones obtuvieron una gran difusión.
- La carrera de una prostituta (1732, cuadros destruidos; se conoce por las copias grabadas).
Es la primera de sus obras morales. En sus seis escenas, el miserable
destino de una chica del campo que comenzó una carrera de prostitución
en la ciudad se sigue desde el principio hasta su degradado final, con
la muerte por enfermedad venérea y el funeral sin ceremonias. La serie
tuvo un éxito inmediato.
- La vida de un libertino (1736, Museo Soane de Londres).
Es una secuela de la serie anterior, mostrando en ocho imágenes la
vida de Tom Rakewell, hijo de un rico comerciante, que malgasta su
dinero en una vida de lujo, prostitutas, el juego y al final acaba su
vida en Bedlam.
- Los cuatro tiempos del día (1738).
Es su versión de los tradicionales cuatro momentos del día, de los
acontecimientos que ocurren por la mañana, al mediodía, por la tarde y
por la noche. En la Mañana, una rica mujer acude a la iglesia,
evitando mirar a dos pordioseros, con lo que muestra la hipocresía de
los beatos que van a la iglesia pero que ignoran las desgracias de sus
semejantes. Mediodía muestra a parroquianos bien vestidos que
salen de la iglesia mientras que a su lado hay gente pobre sufriendo, y
en medio una carretera que los divide. Muestra claramente el abismo
social entre las clases alta y baja.
- Marriage à-la-mode (El casamiento a la moda) (1745, National Gallery, Londres).
Serie de seis escenas que narran por episodios la boda de un noble
arruinado y una joven burguesa. Muchos consideran que es su mejor obra,
desde luego es el mejor ejemplo de sus series. Hogarth pinta una sátira,
un género que por definición tiene un punto de vista moral que
transmitir. El arruinado Conde de Squanderfield se casa con la hija de
un rico comerciante, y comienza con la firma del contrato de matrimonio
en la mansión del conde, y acaba con el asesinato del hijo por el amante de su mujer y el suicidio de la hija después de que su amante sea ahorcado en Tyburn por el asesinato de su marido.
- Industriosidad y pereza (1747).
En esta serie de doce escenas, Hogarth muestra la evolución en la
vida de dos aprendices, uno que se dedica al trabajo duro y otro
perezoso que acaba cayendo en el crimen y siendo ejecutado.
- La calle de la cerveza y la de la ginebra (1751).
Representa las desagradables consecuencias del alcoholismo,
contrastando la feliz normalidad de los que beben cerveza inglesa,
frente a los alcohólicos que se dedican a la ginebra. Estas láminas se
publicaron en parte para apoyar el “Acta de la Ginebra” de 1751. Se
supone que el magistrado Henry Fielding le informó de estos procedimientos, para ayudar a la propaganda del Acta de la ginebra.
- Las Cuatro etapas de crueldad (1751).
Con esta serie Hogarth pretendía mostrar algunas de las terribles
costumbres de los criminales, comenzando con la tortura de animales.
- La campaña electoral (1754, Museo Soane de Londres).
Temas históricos
A lo largo de su vida, Hogarth intentó alcanzar el estatus de pintor
de historia, pero no tuvo gran éxito en este campo, con escenas bíblicas
e históricas.
- El buen samaritano y La piscina probática (1735-1736, Londres, Hospital de San Bartolomé)
- Moisés llevado ante la hija del faraón (1746, Londres, Foundling Hospital)
- San Pablo ante Félix (1748, Londres, Lincoln’s Inn Society)
- La puerta de Calais (1748, Londres, Tate Britain). Se produjo poco después de su visita a Francia. Horace Walpole escribió que Hogarth había corrido un gran riesgo al marchar a Francia. Fue tan imprudente que dibujó un esbozo del puente levadizo en Calais. Fue detenido y llevado ante el gobernador, donde se vio forzado a probar su vocación dibujando varias caricaturas de los franceses. En una de ellas representaba una enorme pieza de carne de vaca que tenía como destino la posada inglesa en Calais, a la que seguían varios monjes hambrientos. A los franceses les divirtieron sus dibujos y lo dejaron marchar. De vuelta a casa, inmediatamente ejecutó una pintura sobre el tema, cuadro en el que los franceses aparecen como personas encogidas, consumidas y supersticiosas, frente aun enorme solomillo de vaca que llega con destino a la posada inglesa como símbolo de la prosperidad y superioridad inglesas.
- Tríptico para la iglesia Saint Mary Redcliffe de Bristol: Las tres Marías en la tumba, La Ascensión y El cierre de la tumba (1756, Bristol, City A.G.)
Valoración
Hogarth vivió en una época en la que el arte se comercializaba cada
vez más y se veía en los escaparates de las tiendas, tabernas y
edificios públicos. Todo el arte estaba transformándose,
popularizándose, como podía verse en las óperas baladasnovelas de autores como Henry Fielding.
Por ello, Hogarth acertó al tomar como tema de sus obras pintar y
grabar temas morales modernos. Provenía de una tradición moralizante
tradición del Protestantismo, representada en la pintura de género holandesa,
y los vigorosos panfletos satíricos ingleses. En Inglaterra las Bellas
Artes tenían poca comedia antes de Hogarth. No obstante, sus grabados
eran caros, y sólo en el siglo XIX se divulgaron alcanzando a un público más amplio. frente a la ópera seria extranjera o las
Cuando se analiza la obra del artista en su conjunto, Ronald Paulson, moderna autoridad sobre Hogarth, le ve como un auténtico y subversivo parodiador. Dice: “En La carrera de una prostituta, todas las láminas excepto una están basadas en las imágenes de Durero de la historia de la Virgen María y de la Pasión”. En otras obras, parodia la Última cena de Leonardo da Vinci. De acuerdo con Paulson, Hogarth está subvirtiendo el establishment religioso y las creencias ortodoxas en un Dios inmanente que interviene en las vidas de la gente y produce milagros. En realidad, Hogarth fue un deísta, un creyente en un Dios que creó el universo pero que no interviene directamente en la vida de sus criaturas.
Sus grabados satíricos son considerados a menudo como importantes precedentes de las historietas. La ópera de Igor Stravinsky, The Rake's Progress, con librettoW. H. Auden, se inspira en las series de pinturas de Hogarth de ese título.
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Thomas Gainsborough
Thomas Gainsborough (14 de mayo de 1727 - 2 de agosto de 1788). Pintoringlés considerado como uno de los grandes maestros del retrato y del paisaje.
Gainsborough nació en Sudbury, Suffolk. Desde temprana edad mostró habilidades artísticas y a los quince años fue a estudiar dibujo y grabado a Londres con el grabador francés Hubert François Gravelot. Más tarde estudió pintura con Francis Hayman, pintor de temas históricos.
A través de Gravelot, (que había sido discípulo del gran pintor francés Antoine Watteau) recibió la influencia de éste y, más adelante, la de artistas de la escuela flamenca y del pintor barroco Anthony van Dyck.
Entre 1745 y 1760 vivió y trabajó en Ipswich. Entre 1760 y 1774 vivió en Bath, balneario costero de moda, donde pintó numerosos retratos y paisajes.
En 1768 fue elegido miembro de la Royal Academy of Arts y en 1774 el rey Jorge III le invitó a pintar su retrato y el de la reina consorte, Carlota Sofía.
Ese mismo año fijó su residencia en Londres. Fue el pintor favorito
de la aristocracia británica y logró una gran fortuna con sus retratos.
Murió el 2 de agosto de 1788 en Londres.
Obra
Realizó más de 500 obras, de las que 230 son retratos. Se
caracterizan por la noble y refinada elegancia de las figuras, el
encanto poético y los colores fríos, principalmente verdes y azules, de
pincelada suelta, delgada y larga en su trazo.
Sus obras están imbuidas de melancolía poética, efecto logrado a
través de una luz muy tenue, clara reminiscencia de los paisajes
flamencos del siglo XVII que tanto le influyeron.
Muchas veces ambientó las figuras de sus retratos al aire libre; así el de El Señor y la Señora Andrews (c. 1750, National Gallery de Londres,
Inglaterra) muestra las figuras en un paisaje y es uno de los primeros
ejemplos de la capacidad de Gainsborough para fusionar dos géneros
distintos creando una obra armoniosa.
Lo mismo puede decirse del Retrato de las hermanas Linley (1772, Dulwich Picture Gallery)
en el que los cálidos colores otoñales del bosque se funden con los
colores de los vestidos de las hermanas de tal forma que los rostros
parecen emerger del escenario que les rodea.
Se ha llegado a afirmar que esta relación entre los seres humanos y la naturaleza deriva de la obra literaria de Henry Mackenzie, que describe al "hombre de sentimientos", y de Jean-Jacques Rousseau,
que describía un amor apasionado por la naturaleza y cuyas ideas serían
adoptadas y puestas en práctica con fervor por los poetas y pintores
románticos. Gainsborough pintó también paisajes sin figuras, sobre todo
bosques o campos abiertos y agrestes, entre los que destacan Bosque de Cornard (1748), El abrevadero (c. 1777), y La carreta del mercado (1786), todos ellos en la National Gallery de Londres.
Otros de sus retratos importantes son Sara Buxton (1776-1777, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, España), El médico Isaac Henrique Sequeira (Museo del Prado, Madrid), La familia Baillie (1784),La esposa de William St Quintín(1767-1768), El paseo matinal (1785-1786) y La señora Siddons (1785), estos últimos en la National Gallery londinense. De la señora Siddons también existe un famoso retrato, La señora Siddons en su papel de musa trágica (1784) de Joshua Reynolds, retratista contemporáneo de Gainsborough.
Destacan también Perdita Robinson (1781, Colección Wallace, Londres), El honorable Francis Duncombe (c. 1777, Colección Frick, Nueva York), La señora Tenant (1786-1787, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), La condesa Howe (Kenwood House, Londres) y hay muchos en colecciones privadas, entre los que se incluye El niño azul (c. 1779, Colección Huntington, San Marino, California, Estados Unidos).
También realizó numerosos dibujos y grabados al aguafuerte. El artista trabajó igualmente la litofanía,
un sistema de "proyección" de imágenes a través de pantallas de cera
recubierta de porcelana a través de la cual se filtraba la luz.
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Joshua Reynolds
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Sir Joshua Reynolds, miembro de la Royal Academy, de la Royal Society y la Royal Society of Arts de Londres (16 de julio de 1723 – 23 de febrero de 1792) fue uno de los más importantes e influyentes pintores ingleses del siglo XVIII, especialista en retratos
y promotor del "Gran estilo" en pintura que dependía de la idealización
de lo imperfecto. Fue uno de los fundadores y el primer Presidente de
la Royal Academy. Jorge III apreció sus méritos y lo nombró caballero en 1769.
Contenido |
Carrera
Reynolds nació en Plympton St Maurice, Devon, el 16 de julio de 1723,
y entró como aprendiz en 1740 con el pintor retratista de moda, Thomas
Hudson, con quien permaneció hasta 1743. De 1749 a 1752, pasó más de dos
años en Italia, principalmente en Roma, donde estudió a los grandes maestros y adquirió gusto por el "Gran estilo". De 1753 en adelante, vivió y trabajó en Londres. Se hizo amigo íntimo del Dr Johnson, Oliver Goldsmith, Edmund Burke, Henry Thrale, David Garrick
y la artista Angelica Kauffmann. Fue uno de los primeros miembros de la
Royal Society of Arts. Animó el interés de esa sociedad por el arte
contemporáneo y, con Gainsborough, estableció la Royal Academy como una
organización escindida de la anterior.
Con su rival Thomas Gainsborough,
dominó el retrato inglés durante la segunda mitad del siglo XVIII.
Reynolds pintó de manera más idealizada que aquél. Se dice que a lo
largo de su vida llegó a pintar tres mil retratos.
Reynolds fue un completo académico. Sus conferencias (Discourses (Discursos)) sobre arte, expuestas en la Royal Academy entre 1769 y 1790, se recuerdan por su sensibilidad y percepción. En una de estas conferencias expuso su opinión de que "la
invención, hablando con rigor, es poco más que una nueva combinación de
esas imágenes que han sido previamente recogidas y depositadas en la
memoria." En 1789 perdió la vista de su ojo izquierdo y, el 23 de febrero de 1792Catedral de San Pablo de Londres. murió en su casa de Leicester Fields, Londres. Fue enterrado en la
Reynolds y la Royal Academy fueron objeto de bastantes críticas, incluyendo la de los Hermandad prerrafaelita y William Blake, el último de los cuales publicó un panfleto vitriólico, Annotations to Sir Joshua Reynolds' Discourses (Anotaciones sobre los discursos de Sir Joshua Reynolds) en 1808.
No obstante, sus obras siguen siendo cotizadas. En septiembre de 2005, la Tate Gallery adquirió el cuadro El coronel Acland y Lord Sydney, Los arqueros (1769) por más de dos millones y medio de libras esterlinas.
Obras
- Muchacho Leyendo, 1755, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
- Retrato de un eclesiástico, 1756, Museo del Prado, Madrid.
- Retrato de Ana, condesa de Albemarle, 1758, National Gallery de Londres.
- Retrato de Nelly O’Brian, 1760-72, Londres, colección Wallace.
- Retrato de la Duquesa de Hamilton, realizado para la exposición de la Sociedad de Artistas en 1760, hoy conservado en Port Sunlight.
- George Clive y su familia con una criada india hacia 1765.
- Mr. James Bourdieu, 1765-66, Museo del Prado, Madrid.
- Retrato del coronel George K. H. Coussmaker, 1770-80.
- Las hermanas Waldegrave, 1770-80.
- Retrato de Lady Cockburn con sus tres hijos, 1773, Londres, National Gallery.
- Master Crewe como Enrique VIII, 1775
- Retrato del Príncipe Omai, expuesto en la Royal Academy en 1776, colección privada.
- Retrato de Lady Bamfylde, 1776-1777
- Charles Burney, 1781
- Retrato de la Sra. Siddons, 1785, Dulwich Picture Gallery de Londres.
- La duquesa de Devonshire y su hijo, expuesto en la Royal Academy en 1786.
- Retrato de Lord Heathfield, 1787, Londres, National Gallery.
- Cabezas de ángeles, 1787, Tate Gallery
Galería
-
Retrato del coronel George K. H. Coussmaker, 1770-80.
-
Las hermanas Waldegrave, 1770-80.
-
Master Crewe como Enrique VIII, 1775.
-
Retrato de Lady Bamfylde, 1776-1777.
-
Charles Burney, 1781.
-
La duquesa de Devonshire y su hijo, 1786.
-
Cabeza de querubín visto desde diferentes puntos de vista, 1787.
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